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La storia della Galleria
di Valerio Dehò
 
L’attività della galleria Di Paolo Arte inizia nel luglio del 2003 conuna mostra che in controluce fa intravedere alcune prospettive su cui poi la galleria si muoverà in seguito. “Pop art e neo espressionismo” con opere di Andy Warhol e di Mario Schifano non solo ha posto un problema di rapporto tra i due artisti simbolo della pop americana e italiana, ma ha fornito le tracce di una profonda quanto sostanziale diversità dei due approcci . La Pop italiana, ed anche europea, ha una matrice neo espressionista che ne caratterizza le origini e ne ha condizionato gli esiti Non la grafica o pubblicità sono le fonti d’ispirazione, quanto il mondo che ci circonda vissuto per frammenti, segni ricorrenti, familiarità acquisite nella familiarità quotidiana. Non vi è nessuna riproducibilità meccanica; Schifano continua sempre a dipingere, a utilizzare il dripping, e non a costruire multipli di multipli come ha saputo fare perfettamente Warhol. Ma è stata una mostra che ha contrapposto anche delle icone, come è giusto che fosse. Non solo le Marilyn di Warhol, forse la sua immagine-guida più conosciuta, ma anche per contrapposizione il celebre gruppo di futuristi di Schifano, quasi a ribadire che ognuno ha i propri eroi, e che i nostri sono altri artisti, non certo i divi dello spettacolo. Inoltre con questa mostra la galleria ha mostrato da un lato un’ampia apertura verso il panorama internazionale, come a Bologna non è certo frequente, dall’altro la proposizione di una linea italiana che già nella seconda mostra dell’ottobre 2003, dedicata all’Informale, prendeva corposa sostanza. “L’Informale -segno, gesto e materia” curata da Beatrice Buscaroli è stata un’esposizione estremamente rigorosa nelle proposte non solo per i nomi degli artisti, ma anche per le date. La “Natura morta” di Santomaso del 1953 o il Tancredi di “Una storia” del 1959, come il Corpora di “Mediterraneo” del 1956-57 sono lavori rilevanti per qualità e per importanza rispetto all’intera storia e poetica degli artisti. Messi accanto ad un eccezionale Mattia Moreni di “Nuvola bianca” del 1958 e al bolognese Romiti di “Composizione”, 1962, hanno certamente costituito una dichiarazione d’ intenti della galleria. L’ambito delle esperienze post belliche e dell’Informale, diventano un punto di riferimento per la galleria. L’apertura alla scena internazionale anche in questo caso viene garantita dalla presenza di un grande quadro di Hans Hartung “T 1963-E 23” del 1963, mentre la cronologia di mostra si chiude al 1973 con uno sconfinamento nello spazialismo di Bonalumi, che evoca alcune direttrici dell’informale, superandole in una chiave decisamente plastica. Il 2004 si apre con una mostra dedicata al tema de “Il nudo nell’arte”, quasi un omaggio ad un genere ormai tramontato, una mostra di forte gusto collezionistico. Invece con la mostra seguente nel maggio 2004 dedicata ad un giovane artista affermato come Massimo Barzagli, per la prima vola la galleria si apre al contemporaneo. L’artista si era messo in luce negli anni ’90 perché aveva fornito un’interessante e originale reinterpretazione della pittura ed esponendo presso importanti istituzioni pubbliche come il Museo Pecci di Prato (1991) e la Galleria d’arte moderna di Bologna - Villa delle Rose (1996) a Bologna. Massimo Barzagli è un artista autenticamente multimediale, nel senso che unisce il dipingere alla fotografia, inventando una tecnica originale che è una sintesi tra la pittura di pennello e delle vere e proprie impressioni trasferite sulla tela da oggetti, fiori o animali. Il supporto è cambiato e progressivamente si è spostato verso le tele emulsionate, quindi la fotografia. Ma certamente si può affermare che possiede istintivamente una matrice espressionista che lo lega al sentiment della galleria, oltre ad un profondo senso del colore che si propone nella sua forza e prepotenza segnica. Dopo una mostra di grafiche di qualità, viene proposto un altro artista contemporaneo, che dopo la mostra presso la Di Paolo Arte ha conosciuto una particolare fortuna critica e di pubblico, anche sotto forma di grandi installazioni realizzate in importanti spazi pubblici in Italia e in Inghilterra. La mostra “Profondo verde”, Franco Passalaqua è ancora un affondo verso la pittura, ma una pittura che diventa quasi una texture vivente. L’opera di Franco Passalaqua è un esempio di quanto la pittura attuale sia permeata di valori concettuali, senza mai rinunciare alla sua forza e specificità. L’artista di Perugia non è certo un pittore paesaggista, anche se è la Natura, gli alberi, che sono l’oggetto del suo discorso. Inoltre non ha alcuna vocazione al realismo che possa o meno confondersi con altre stagioni dell’arte. La sua idea di fondo è che la Natura attraversi un pericolo drammatico che va testimoniato e reso visibile. I suoi alberi diventano quasi puntiformi, i suoi boschi infinti, visti dall’alto quasi fossero un paesaggio a volo d’uccello, sono una creazione che da lontano evocano la monocromia, mentre ad una visione ravvicinata, svelano la loro anima figurativa. Un maestro mondiale come Hermann Nitsch, un artista simbolo degli anni ’60 e ‘70, è stato presentato nel dicembre 2004, in una mostra chiamata “Red paintings”. Il maestro viennese famoso per le sue performance legate ad una ritualità sospesa tra sacro e profano, tra cerimonia religiosa e teatro, ha presentato una serie di lavori recenti in cui predomina la pittura, la rappresentazione, non più la diretta ostensione della materia organica prodotta durante il Teatro delle orge e dei misteri. Il sangue sacrificale viene evocato in una sorta di palingenesi espressionista e in mostra, oltre alle tele, è stato presentato un video delle performance realizzate dall’artista austriaco. Con Nitsch la galleria compie non solo un ulteriore avvicinamento al contesto internazionale, ma continua a privilegiare la strada della pittura come forza espressiva primordiale, come bisogno immediato e anche violento di esprimersi e comunicare. Nell’aprile del 2005 la collettiva di giovani artisti “Faces” rappresenta un’altra apertura verso l’arte attuale con la partecipazione di artisti trentenni come Leonardo Greco o Riccardo Baruzzi, che in questi ultimi anni si sono affermati come esponenti di una nuova pittura che mette insieme capacità narrative, gestualità espressionista e valori concettuali di distanza verso i soggetti. “Faces” è stata una mostra di tendenza che va vista come una sperimentazione nel programma generale della galleria, pur mantenendo ferme alcune coordinate di base. A giugno dello stesso anno poi è stato presentato un vero outsider, Romano Bertuzzi, artista piacentino, grandissimo disegnatore ma anche performer di ottima levatura. Il titolo della mostra “Supernatura” voleva riassumere il lavoro dell’artista che ha sempre cercato un rapporto diretto e genetico con il mondo naturale e delle tradizioni contadine. Nel periodo performativo e concettuale cercava proprio di salvare gesti antropologicamente fondati e semplici. Cose semplici sono anche diventati i soggetti del suo particolare disegno in cui rappresenta fondamentalmente o alberi o di mucchi di sassi che sono caratteristici del territorio del Po e della fascia di pianura limitrofa in cui l’artista vive. Il suo spostamento verso il paesaggio e verso il disegno sono parte della sua poetica iniziale, ma con un passaggio verso l’icona e la simbologia. Interessante anche che l’artista faccia diventare il tempo impiegato, lunghissimo di giorni e settimane, un componente dell’opera. L’ultima mostra del 2005 è stata quella dedicata al movimento italiano più conosciuto del mondo con l’Arte povera, la Transavanguardia, con opere, anche in questo caso, degli anni giusti, cioè di quei primi anni ’80 che hanno visto cambiare la scena dell’arte internazionale con il ritorno alla pittura dopo la lunga stagione concettuale. In particolare per la mostra sono stati scelti dei lavori dei lavori di Sandro Chia, Mimmo Paladino e Francesco Clemente, in cui il pensiero e la memoria dell’arte riaffiorano sempre in modo deciso e chiaro, come continuità e costante riferimento. La Transavanguardia, quindi, va letta come movimento che riassume in sé le caratteristiche della pittura del novecento, ma anche in questo caso si tratta della pittura più espressiva, forte, anche sensuale, in cui il piacere è parte essenziale del vedere. In fondo l’attraversamento dei linguaggi delle avanguardie d’inizio secolo viene svolto in modo sempre distante dalla citazione pura e semplice, il gruppo italiano ha saputo ritrovare le motivazioni profonde del dipingere ancora e sempre in modo emozionale. L’inizio del 2006 è aperto da una mostra storica dal titolo “Il paesaggio tra metafisica e sogno” curata da Franco Basile. Dopo il nudo e il ritratto, il paesaggio è un altro dei generi classici dell’arte e questa mostra ha presentato un ampio spettro di opere dagli anni ’20 fino ad un estremo paesaggio di Morandi del 1964. Gli artisti rappresentati sono stati: Mario Sironi, Filippo de Pisis, Osvaldo Licini, Ottone Rosai, Giorgio de Chirico, Fortunato Depero e un giovane Domenico Gnoli con un’opera del 1954, in cui è forte l’influenza del maestro Gentilini. Come ha scritto il curatore in catalogo: “Il tracciato di questa mostra si delinea tra un’immagine del 1914 e un’altra del 1961. Dunque una storia lunga cinquant’anni che in parte è anche la storia che ha caratterizzato tante vicende del secolo scorso. Ogni artista lascia una traccia di sé lungo i sinuosi tratti della creatività, le opere sono segnali del ricordo, la memoria focalizza elementi di giorni trascorsi qualificandosi come interprete di un passato che, coniugato al presente, può generare indizi di rinnovate espressioni.” La mostra è pertanto dedicata all’idea metafisica di una realtà ulteriore e a una certa visionarietà che se non è propriamente surrealtà, le è molto simile. In ogni caso ritorna protagonista il secolo passato, come nella mostra seguente dedicata a Giuseppe Viviani e Achille Funi. Del ferrarese sono state presentate 4 carte dal 1911 al 1916 in cui dallo splendido acquarello del “Paesaggio milanese” all’ “Osteria” del 1916 si notano le influenze sironiane, ma anche lo sguardo dell’artista, pur legato al Novecento della Margherita Sarfatti , che andava al contesto europeo in cui l’espressionismo tagliava con l’accetta volti ed ambienti. Più ampia la presenza di Viviani con opere dal 1949 al 1964 tra cui un pregevole olio dal titolo “Veditore e cane” del 1957. L’artista toscano grande incisore al pari di Bartolini e Morandi, resta un caso a parte nell’arte italiana per la sua predisposizione al disegno e ad un’inflessione marcatamente caricaturale. Con questa mostra la galleria si è proposta anche per la capacità di far venire allo scoperto aspetti meno conosciuti dell’ arte italiana del novecento, in modo tale da costituire anche un quadro di riferimento culturale della nostra arte non certo scontato. Una prospettiva più internazionale viene recuperata con l’ultima mostra del 2006 dal titolo “Dall’astrazione all’informale” in cui sono stati coinvolti artisti nati negli anni ’10 e ’20 del secolo scorso che hanno reagito al secondo dopoguerra con una carica di innovazione e di ricerca sperimentale, determinante per superare le secche coeve del neo realismo. Per questo erano presenti opere di artisti del Gruppo Forma 1 con Dorazio e Perilli o Crippa con il suo Spazialismo, la scultura post-espressionista di Agenore Fabbri, l'Espressionismo astratto di Scialoja, l'Ultimo Naturalismo con Morlotti e Pizzinato, il gruppo Cobra con lo svedese Lindstrom, la scuola di Parigi con il russo-parigino Lanskoy. Una mostra coraggiosa e difficile perché ha cercato di sintetizzare le istanze di un paio di generazioni di artisti che si sono sentiti pronti ad accettare la sfida del cambiamento e del rinnovamento dei linguaggi negli anni ’50 e ’60. E si è anche trattato di una ricostruzione storicamente ineccepibile, offrendo una selezione di opere di peso e caratura. Il 2007 inizia con una mostra curata da Claudio Spadoni, direttore del MAR di Ravenna e attento studioso del Novecento,, dedicata all’opera del pittore bolognese Aldo Borgonzoni. Viene proposta una lettura “espressionista” del suo lavoro, in luogo del più consueto e rassicurante realismo, che rispecchia proprio un saggio del 1995 dello stesso Spadoni intitolato “Il Naturalismo espressionista di Aldo Borgonzoni”. In pratica vengono ricostruiti 40 anni di attività dell’artista attraverso ben 24 dipinti dall’ “Autoritratto” (1941) fino al “Tramonto con albero secco” (1977-80). In pratica la mostra viene articolata in una prima sezione in cui sono documentati gli esordi in cui il pittore si confronta con la “Scuola romana” o anche con le coordinate europee di un James Ensor ( “Mascherata” ,1943 ), e in una seconda aperta da “Nello studio” (1957), in cui l’ atmosfera e il segno espressionista diventano sempre più forti, concentrandosi sui temi degli anni ’60 e ’70 come le periferie urbane o il Concilio vaticano II a cui si era dedicato anche Sergio Vacchi. Emerge pertanto la “luce del nord” che guida Borgonzoni alla ricerca di una tensione spirituale ed esistenziale , che si confronta con quella scuola tedesca che aveva ammirato fin dal suo viaggio a Norimberga nel 1939. Nel maggio del 2007, la galleria propone una mostra sulla fotografia, il medium che si è maggiormente affermato nel corso degli anni ’90, diventando anche un imperativo per il collezionismo. Con “Fotografia Italiana, realtà e visione” vengono presentate 22 fotografie, tutte firmate e realizzate in pochi esemplari, di fotografi storici come il reggiano Luigi Ghirri o il modenese Franco Fontana. Ma vi sono anche presenze non solo legate alla fotografia di paesaggio, anche alcuni reporter come Mario Cresci o Carlo Orsi sono presenti con alcuni loro pregevoli scatti. Un’attenzione è stata rivolta anche ai giovani rappresentati dal bolognese Davide Tranchina e il napoletano Francesco Jodice. Interessante anche la presenza di un artista che usa la fotografia in modo molto originale, Luca Piovaccari, che riesce a creare degli effetti di trasparenza molto singolari stampando su acetato delle fotografie in bianco e nero di paesaggi romagnoli, che sporadicamente si è dedicato al ritratto. Complessivamente la deviazione dalle avanguardie artistiche verso la fotografia, è diventata una proposta anche i collezionisti di pittura, di allargare i confini delle scelte aprendosi alla qualità di una fotografia senza tempo. Ma con la mostra “Maestri storici dell’Informale” la Galleria ritorna alla sua vera vocazione, alla sua mission ormai perfettamente definita. Infatti, dopo la collettiva di capolavori, lo storico dell’arte Giovanni Maria Accame presenta un’importante antologica di Emilio Scanavino, con opere che datano dal 1957 di “Composizione” fino a “Tramatura” del 1974. Un excursus temporale ampio per una mostra in uno spazio privato e sempre sorretto da una qualità ineccepibile delle opere. Del maestro genovese scrive in catalogo lo storico e curatore della mostra: “ Scanavino è tra i maggiori rappresentanti di una generazione di artisti che, alla fine della seconda guerra mondiale, si riconobbero in una condizione psicologica e culturale che ebbe nell’Informale un complesso di caratteri espressivi tra i più autentici ed efficaci.” La mostra ha ricostruito sinteticamente il percorso della sua evoluzione segnica, sottolineando come questa ricerca derivi anche dall’idea del movimento, di quel qualcosa che accade mentre si dipinge e che non è preordinato, già deciso in partenza. L’Informale è stato una grande palestra di immensi talenti soprattutto italiani e certamente Scanavino ha saputo esprimere una sensibilità che lo identificava interamente nella totalizzante pratica dell’arte. La mostra seguente dedicata a Roberto Crippa, sempre curata da Giovanni Maria Accame, porta avanti lo stesso discorso delle avanguardie post belliche. Crippa si diploma a Brera nel 1947 e 4 anni dopo già espone da Alexander Jolas a New York, in quel momento uno dei templi dell’arte contemporanea mondiali. Artista prodigioso e veemente, Crippa dopo la sua scomparsa prematura nel 1972, non ha ancora avuto il ruolo che gli spetta, certamente accanto a Burri e Fontana, con il quale sottoscrive nel 1948 in Manifesto del Movimento Spazialista. In mostra vengono presentati oltre ad una rarissima “Composizione” del 1949, una “Galassie” del 1952 e un sughero del 1959 intitolato “Testa” in cui riecheggia la sua anima figurativa. Roberto Crippa , autore su cui la galleria ha intenzione di lavorare anche in futuro, è certamente uno degli artisti storici ancora sottovalutati dal mercato italiano, ma certamente uno dei grandi protagonisti del superamento dell’Informale verso l’oggetto. L’artista famoso per le sue “spirali” vicine alla poetica del Gruppo Nucleare di Enrico Baj, Piero Manzoni e Sergio D’Angelo, è giustamente famoso anche per i suoi polimaterici. Ha scritto Accame in catalogo: “I sugheri e i collage di materiali vari che danno corpo alle figure animale e alle ravvicinate prospettive dei paesaggi di Crippa, hanno un’immediata cadenza drammatica e una successiva percezione di profondità.” In altri termini una poetica della materia o una metafisica della materia, come ha scritto il teorico dell’Informel, Michel Tapié, che è già aperta verso le innovazioni degli anni seguenti. L’ultima mostra del 2008 e la prima del 2009 sono state invece dedicate al Futurismo che proprio il 20 febbraio 2009 ha compiuto 100 anni. La prima intitolata “Futurismo 1910-1915” curata da Maura Pozzati ha aperto il percorso cronologico con Giacomo Balla, il più anziano di tutti all’epoca, proveniente dal Divisionismo e da Simbolismo, e presente con due opere: la scultura “Linee di forza del pugno di Boccioni” (1915-1956), che è un lavoro che rappresenta molto bene l’essenza dinamica del Futurismo e la pittura ad olio “Colpo di fucile” del 1915, ancora di concezione simbolista. L’artista torinese incarna perfettamente la fine dell’Ottocento e l’inizio delle istanze e delle attese del Novecento. Tra le altre opere c’era un raro “Autoritratto” di Luigi Russolo del 1913, esposto in numerose mostre dedicate al movimento futurista e nelle Biennali del 1960 e 1968. Russolo rimase famoso anche per la sua attività di compositore e d’inventore di nuovi strumenti rumoristico-musicali, ma recentemente le mostre internazionali attorno al centenario futurista, ne stanno riproponendo in modo straordinario proprio la sua attività pittorica. Era anche in esposizione una grande opera di Leonardo Dudreville del 1913, “Conflitto tragico”, certamente uno dei primi esempi di pittura geometrica e astratta nella storia dell’arte, che fu già esposto nel 1914 alla mostra del gruppo “Nuove tendenze” tenutasi alla Famiglia Artistica di Milano dal 20 maggio al 10 giugno 1914. Inoltre sono stati presentate anche, due opere di Ardengo Soffici del 1911, “Pere” e “Bagnanti”, in cui l’adesione al futurismo non nasconde l’importanza e l’influenza della semplificazione compositiva cezanniana, lavori di forte concrezione materica e di solido disegno fiorentino. Il secondo fu esposto nella celebre galleria berlinese “Der Sturm” nel 1913. Alcune carte di Achille Funi, artista ferrarese di straordinaria qualità che ha anticipato le periferie di Sironi e un’opera di Primo Conti del 1918, questa forse con più ascendenze cubiste che futuriste, chiudevano un’esposizione con una qualità decisamente da spazio pubblico. La mostra di apertura dell’anno in corso sulla grafica futurista è una sorta di appendice della precedente, ma non di minore qualità e intensità emozionale. Oltre tutto si tratta sempre di opere non solo molto ben documentate, ma che hanno già passato il vaglio delle fondazioni e delle istituzioni competenti. In ogni caso al di là di questo omaggio al più grande movimento artistico italiano ed e europeo, la galleria Dipaolo arte, ha sviluppato dal 2003 a oggi, una spiccata vocazione verso la pittura informale e le avanguardie post belliche. Questo aspetto storico, a parte delle sempre interessanti, incursioni in territori paralleli, resta l’obbiettivo e la “vocazione” della galleria che ha assunto in breve tempo una sua precisa identità nel panorama delle galleria private bolognesi.
DiPaoloArte; Galleria Falcone - Borsellino, 4a/b - 40123 Bologna; Tel./Fax.: +39 051 225413